Neither illusion nor reality, hyperrealism is a temporal state of transmutation. Its matrix is a confluence of the real and the unreal: imaginative re-creations by the viewer and phantasmagorical aesthetics of the artist.
Stéfan’s emergent body of hyperreal work is a semiotic series of destructured perceptions which traverse confines of logical and definitive thought. Movement in time, placement in space, and misdirection of purpose are metaphorically unhinged in lyrical images that, while familiar and haunting, inculcate one’s senses with an ethereal narrative not lacking in content or in message.

Denis Peterson

La forme du vide

Le travail de Stéfan Nandancée appartient à première vue à une tradition hyperréaliste, par son usage de la photographie et son rendu final, proche de ce médium. Mais dès le second regard, les peintures de Stéfan Nandancée échappent clairement aux écueils du genre: Loin de représenter la réalité de l’époque et utiliser la photographie comme matière première de connexion au réel d’une époque, les peintures de Stéfan Nandancée sont plutôt des allégories, des scènes morales, des humeurs à vocation existentielle. L’usage du petit format, intimiste et forçant le rapport à la surface, contribue à prendre comme interlocuteur la part intime du regardant. Si nous devions chercher des pairs dans l’histoire de l’art, il faudrait presque revenir en arrière jusqu’aux miniaturistes et à la Renaissance flamande inaugurée par Jan Van Eyck.
La surface des choses, la forme des éléments, leur représentation n’est pas une transcription du réel, mais un hommage à cette même réalité. Un jeu d’esprit sur la surface du réel. L’artiste n’est pas dupe du jeu central de la représentation: loin d’être une déclaration narcissique virtuose, il témoigne d’un amour et respect de la vision, et des questions qui s’y rapportent, en simple être humain ayant la chance de pouvoir s’attarder sur la question: Qu’est-ce que la réalité ? Qu’est-ce que le regard ?
Qu’est-ce que la peinture ? Qu’en est-il de mon existence, ici et maintenant ?
Et surtout dans le cas des peintures de Stéfan Nandancée, quel est mon rapport à l’autre ?
Ses tableaux nous montrent les pérégrinations d’un personnage, qui détient en lui-même l’ensemble des ambiguïtés qui habite l’oeuvre de ce jeune artiste. En apparence, le personnage est unisexe, cheveux courts, jeans et pull à capuche, il cache plus qu’il ne montre. Les vêtements, à l’opposé de ceux de la Renaissance soustraient le corps plutôt que ne le révèlent, et par cela même, il parle aux deux sexes, empêchant toute projection en terme de genre.
Les questions que ce personnage nous envoie sont donc d’ordre universel. Elles s’adressent à l’homme, la femme, les enfants, les plantes, les planètes.
Je m’attarderais plus particulièrement sur 3 peintures, représentant ce personnage dans des contextes faisant la part belle au vide: Terrarium, Vide de sens, Suicide d’automne.
Dans la tradition d’un Caspar David Friedrich, ce personnage nous invite à regarder, mais à l’opposé de cette tradition, il nous invite à ne rien voir, métaphoriquement.
Je décèle chez l’artiste une certaine philosophie du vide, de l’absurde, d’une vision mélancolique poussée à l’extrême, où la fatuité de l’existence apparaît comme un fait avec lequel il vaut mieux apprendre à vivre, plutôt qu’à le combattre ou le dénigrer.
Cette ambiguïté se montre bien sûr DANS les images, qui nous montrent ledit personnage en proie avec un vide intégral, comme s’il était hors de portée, mais aussi SUR sa surface: la représentation de la scène, méticuleusement rendue dans son vide, d’une technique picturale rarement atteinte contribue à cette ambiguïté fondatrice.
Si l’artiste exprime ses doutes sur la vanité de l’existence humaine, proche d’une tradition philosophique de l’absurde, pourquoi choisit-il de le faire par le biais d’une mise en oeuvre d’une prouesse technique nécessitant expérience, patience extrême, contrôle total et loupe de chirurgien ?
La question est la réponse. C’est cette contradiction qui est le centre du travail.

Stéphan Balleux

Hyperrealist intimism

1) Could you please explain to me what hyperrealist intimism is to you?

Well, actually it is far less pretentious than it sounds. These two terms simply define a meticulous way of depicting intimate allegories. The ambition of the process is to reveal something about the overwhelming complexity of being alive in this world.

2) Why do you focus on a lonesome character?

To answer your question properly first I need to introduce my model: Joelle Wicket alias Jo is a natural-born anti-heroine; she’s hyper-sensitive, hyper-intelligent and consequently hyper-melancholic. We met at the Bruxelles School of Art 25 years ago, and ever since, the accurate observation of her personality has kept mine very busy. The loneliness of my muse expresses what I fear the most. The insufferable idea of Jo’s finitude pushes me to cherish and immortalize each and every glimpse of her until the deadline.

3) “This existential work probes the human condition with a dash of irony”. Could you please tell something more about this?

How could we possibly question the human condition without a dash of irony? As the old saying goes, “life is too short to take it seriously”. I just try to laugh as often as possible on the edge of the abyss!

4) If you had to describe your work, how would you do that? What are the key elements?

I wouldn’t be too long-winded but let me tell you a short story. When I was very young, an ophthalmologist told my mother (who was standing beside me) that I could never rely on my eyes to make a living. I was already obsessed by the idea of becoming an artist so on the way home I decided to treat this depressing diagnosis as an encouragement to push the limits. Against all odds, along my chaotic way, and through an astronomical concatenation of circumstances, I managed to become an honest adventurer of the optic nerve. In brief, I would present my work as an existential one woman show produced by a partially-sighted stubborn artist in a meaningless world.

5) What inspires you?

Well, you know, anything can be inspiring—it depends on the angle you picture it. I read a lot of philosophy and sometimes it helps me to rack my brain. ‘The World As Will And Représentation’ by Schopenhauer, for instance, gave me some new perspectives. Novels are also very reliable allies. ‘Voyage Au Bout De La Nuit’ by Louis Ferdinand Celine is the most brilliant and indispensable, in my opinion. 1984 by Georges Orwell also reveals other ways to look at the world differently. There is no shortage of stimulation in literature.

6) How does a painting come about?

To give you a typical example, the idea of ‘Highways’ came out of the blue by chance en route to the belgian cost. I was taking pictures of the road through the glass of the car when we drove under one of those metallic structures full of information. Suddenly, I had a sort of nihillist epiphany. Pardon me the audacious oxymoron. Every sign around was indicating the same destination, NOWHERE. I couldn’t believe my eyes, the big picture was perfectly centred in its metallic frame. All I had to do was insert Jo in the middle of the composition and start to paint. As a devoted reader of Emile Cioran, the author of ‘The Trouble With Being Born’, I’m always pleased to share my scepticism. If the number of empathetic comments I receive from all around the world, is anything to go by, the figure of Jo speaks to the present generation.

7) What is your ambition?

My greatest ambition would be to see a portrait of Jo at the National Portrait Gallery in London. Even though it sounds like an unattainable dream, I’m working on it.

Ilse Knol

Biography

Born 1972, Braine-Le-Comte, Belgium
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Education Royal Academy Of Arts, Brussels
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Exhibitions 2006 – Galerie Projection (Brussels)
2007 – Pierre Hallet Gallery (Brussels)
2008 – Galerie Von Kraft (Knokke)
2009 – Galerie Projection (Brussels)
2010 – Galerie Projection (Brussels)
2011 – Galerie Projection (Brussels)
2012 – Plus One Gallery (London)
2012 – Art On Paper: The Brussels Contemporary Drawing Fair
2013 – Hyperrealism Today Museu Del Tabac (Andorra)
2013 – Lapada Art Fair (London)
2013 – Winter Show Plus One Gallery (London)
2014 – Winter Show Plus One Gallery (London)
2015 – Winter Show Plus One Gallery (London)
2016 – International Art Fair at the Royal College of Art of London – Plus One Gallery
2017 – Commissioned Portrait by Adrien Saporito – Private collection (Paris)
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Bibliography Poets And Artists March 2012 Issue 33
Belgravia Residents’ Journal Get Hyperreal June 2012
2014 – Video interview: PoetsArtists Because Part 1 on VIMEO
2017 – Interview: Kunstenaar Magazine, Issue 43 “Hyperrealistisch intimisme” (Holland)